Cinema A4

Cineclips

2010-10-20T01:18:00.001+01:00

Ultimamente por estes lados a escrita tem estado (mal) parada, por outro lado, os "cineclips" que tenho criado recentemente têm vindo a alimentar a minha vontade e criatividade. Como já lá vão cinco, achei pertinente partilha-los aqui, não hesitem em comentar, gostava e era importante saber das vossas opiniões.

Cineclip #1 - Burial (Untrue '2007') - "Archangel" / Ingmar Bergman (1966) "Persona"

Cineclip #2 - Dead Combo (Quando a Alma Não é Pequena vol.II '2006') - "Rodada" / Sergio Leone (1968) "C'era Una Volta il West"

Cineclip #3 - Radiohead (In Rainbows '2007') - "Reckoner" / Tom Tykwer (2006) "Faubourg Saint-Denis" a short on "Paris je t'aime"

Cineclip #4 - Dj Shadow (Endtroducing '1996') - "Transmission 2(Stem/Long Stem)" / Robert Hessens & Alain Resnais (1950) "Guernica"

Cineclip #5 - Flying Lotus (Cosmogramma '2010') - "Computer Face/Pure Being" / Terry Gilliam (1985) "Brazil"

Nothing Personal

2010-06-27T01:44:00.006+01:00

"Nothing Personal" (2009) é um filme realizado por Urszula Antoniak, retrata a vida de qualquer um. "Eu" (tal como nos créditos do filme) foge do seu país de origem e parte talvez à descoberta da calma interior. No meio desta viagem conhece Martin, um homem solitário no meio de uma bela Irlanda. O filme é uma fuga e ao mesmo tempo uma descoberta daquilo a que os Humanos chamam Amor, todo o filme passe pelas fases do sentimento mais profundo e difícil de definir. As duas personagens passam por todos esses momentos sem nunca terem grandes diálogos acerca de sentimentos, mas sim a partir das acções, o espectador poderá sentir o que as personagens estão a viver.
Martin apenas quer acabar a sua viagem na sua paz, Eu por sua vez quer encontrar a paz interior que Martin conseguiu atingir...no fim sentimentos que essa viagem pode nunca acabar...essa paz interior talvez seja aquilo que tentamos alcançar e que só a conseguimos atingir com a própria "morte".

Um filme sem muitas palavras, mas que as imagens e o som falam por si, uma das cenas finais é o resumo e talvez a tentativa de explicação da viagem e do que é o amor, uma viagem a experimentar.

"Nothing Personal" - Urszula Antoniak (2009)

Manifesto pelo Cinema Português

2010-03-15T01:32:00.002Z

Para:Ministra da Cultura

MANIFESTO PELO CINEMA PORTUGUÊS

Nunca como nos últimos vinte anos teve o cinema português uma tão grande circulação internacional e uma tão grande vitalidade criativa. E nunca como hoje ele esteve tão ameaçado.
No mesmo ano em que um filme português ganhou em Cannes a Palma de Ouro da curta-metragem e tantos e tantos filmes portugueses foram vistos e premiados um pouco por todo o mundo, o cinema português continua a viver sob a ameaça de paralisação e asfixia financeira.
Desde há dez anos que os fundos investidos no cinema não cessaram de diminuir: a produção e a divulgação do cinema português vivem tempos cada vez mais difíceis.
E a criação de um Fundo de Investimento (e a promessa de um grande aumento de financiamentos), revelou-se uma enorme encenação que na generalidade só serviu para legitimar o oportunismo de uns tantos.
O cinema português vive hoje uma situação de catástrofe iminente e necessita de uma intervenção de emergência por parte dos poderes públicos e em particular da senhora Ministra da Cultura.
O cinema português - o seu Instituto - ao contrário do que é repetido vezes sem conta, é financiado por uma taxa (3,2%) sobre a publicidade na televisão, e não pelo Orçamento de Estado.
O financiamento do cinema português desceu na última década mais de 30% e a produção de filmes, documentários e curtas-metragens, não tem parado de diminuir.
O Fundo de Investimento no cinema, que era suposto trazer à produção 80 milhões de euros em cinco anos, está paralisado e manietado pelos canais de televisão e a Zon Lusomundo, e não só não investiu quase nada, como muito do pouco que investiu foi-o em coisas sem sentido.

Por isso se torna imperioso e urgente
a) normalizar o funcionamento desse Fundo e multiplicar as verbas disponíveis para investimento na produção de cinema, nomeadamente multiplicando as receitas do Instituto de Cinema, e tornando as suas regras de funcionamento transparentes e indiscutíveis;
b) normalizar a relação da RTP (serviço público de televisão) com o cinema português, fazendo-a respeitar a Lei e o Contrato de Serviço Público, assinado com o Estado Português;
c) aumentar de forma significativa o número de filmes, de primeiras-obras, de documentários, de curtas-metragens, produzidos em Portugal;
d) e actuar de forma decidida em todos os sectores – não apenas na produção, mas também na distribuição, na exibição, nas televisões (e em particular no serviço público), e na difusão internacional do cinema português.

Depois de mais de seis anos de inoperância e desleixo dos sucessivos Ministros da Cultura, que conduziram o cinema português à beira da catástrofe, impõe-se:
1. Normalizar o funcionamento do FICA (Fundo de Investimento para o Cinema e Audiovisual) reconduzindo-o à sua natureza original: um fundo de iniciativa pública, tendo como objectivo o aumento dos montantes de financiamento do cinema e da ficção audiovisual original em língua portuguesa e o fortalecimento do tecido produtivo e das pequenas empresas de produção de cinema. E fazer entrar nos seus participantes e contribuintes os novos canais e plataformas de televisão por cabo (meo, Clix, Cabovisão, etc), que inexplicavelmente têm sido deixados fora da lei;
2. Multiplicar as fontes de financiamento do cinema português, nomeadamente junto da actividade cinematográfica, recorrendo às receitas da edição DVD (a taxa cobrada pela IGAC, cuja utilização é desconhecida, e que na última década significou dezenas de milhões de euros); à taxa de distribuição de filmes (que há décadas não é actualizada) e à taxa de exibição. As receitas das taxas que o Estado cobra ao funcionamento da actividade cinematográfica devem ser integralmente reinvestidas na produção e na divulgação do cinema português (produção, distribuição, edição DVD, circulação internacional);
3. Aumentar as fontes de financiamento do Instituto de Cinema, para aumentar o número, a diversidade, a quantidade e a qualidade, dos filmes produzidos. Filmes, primeiras-obras, documentários, curtas-metragens, etc.
4. Apoiar os distribuidores e exibidores independentes, e estimular o aparecimento de novas empresas nesta actividade, de forma a que o cinema português, o cinema europeu e o cinema independente em geral, possam chegar junto do seu público. E apoiar os cineclubes, as associações culturais e autárquicas, os festivais e mostras de cinema, que um pouco por todo o país fazem já esse trabalho;
5. Fazer cumprir o Contrato de Serviço Público de Televisão por parte da RTP, que o assinou com o Estado Português, e que está muito longe de o respeitar e às suas obrigações, na produção e na exibição de cinema português, europeu e independente em geral. E contratualizar com os canais privados e as plataformas de distribuição de televisão por cabo, as suas obrigações para com a difusão de cinema português.

O cinema português, que vale a pena, tem hoje em dia, apesar da paralisia, quando não da hostilidade, dos poderes públicos, um indiscutível prestígio internacional. Os seus realizadores, actores, técnicos, produtores, não deixaram de trabalhar apesar de tudo o que se tem vindo a passar. Está na altura de os poderes públicos assumirem as suas responsabilidades.
É necessária uma nova Lei do Cinema, mas é urgente uma intervenção de emergência no cinema português.

os realizadores
Manoel de Oliveira
Fernando Lopes
Paulo Rocha
Alberto Seixas Santos
Jorge Silva Melo
João Botelho
Pedro Costa
João Canijo
Teresa Villaverde
Margarida Cardoso
Bruno de Almeida
Catarina Alves Costa
João Salaviza

e os produtores
Maria João Mayer (Filmes do Tejo)
Abel Ribeiro Chaves (OPTEC)
Alexandre Oliveira (Ar de Filmes)
Joana Ferreira (C.R.I.M.)
João Figueiras (Black Maria)
João Matos (Terratreme)
João Trabulo (Periferia Filmes)
Pedro Borges (Midas Filmes)

vivem-se tempos difíceis...

2010-03-11T01:48:00.005Z

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"Roma, città aperta" (1945), Roberto Rossellini

A Leveza Profética

2010-02-17T03:25:00.005Z

"Un Prophète" é um filme de gangsters, prisões e domínio do sub-mundo, porém a diferença é que tem uma visão totalmente diferente da visão comercial tipicamente Americana. Não quero defender um ponto de vista nem outro, porém no final deste filme fiquei com a sensação que se tivesse visto uma versão americana tinha-o o "rotulado" como mais um filme sobre Crime.
A visão de Jacques Audiard transforma um filme numa leveza e ao mesmo tempo a brutalidade de uma França problemática onde as diferenças étnicas são visíveis, onde a realidade dentro e fora das paredes de uma prisão são bem visíveis, uma prisão física e psicológica tão bem conseguida pela personagem principal Malik El Diebena (Tahar Rahim).
As "profecias" deixam o espectador respirar e admirar o filme, transportando o espectador para situações quase paralelas ao que está a acontecer.
Tecnicamente o som em todo o filme muito bem conseguido, situações que pediam mudança em algum aspecto e são completadas a nível sonoro de uma forma subtil como é pedido. Um filme que respira e deixa respirar, em que tudo acontece a um ritmo natural e realista.

"Un Prophète" um filme de Jacques Audiard (2009)

"Vai e Vem"

2010-02-02T04:45:00.006Z

“Vai e Vem”, foi o último ensaio cinematográfico de João César Monteiro e saiu para as salas de cinema a 3 de Junho de 2003, quatro meses depois do seu desaparecimento. Monteiro, como que soubesse do seu inevitável e trágico futuro próximo, aplicou à sua derradeira obra um desfecho conscientemente conclusivo. Desta feita, Monteiro deu vida a João Vuvu, o alter-ego do seu criador, o anti-herói intelectual, o maldito e meio vagabundo, o antagonista de um(a) protagonista que é Lisboa, que é Portugal, que é o Português em todo o seu carácter. Ligeiramente distinto do João de Deus das três icónicas obras de Monteiro que completam a trilogia, este João Vuvu, - que é viúvo e tem um filho assassino - assume desapiedadamente o seu estado de velhice, resguarda-se na sua antiga e ampla habitação, e é rara a sua comunicação com o mundo exterior, com a sociedade que tanto critica, neste, e em tantos outros seus filmes. Mais uma vez o burlesco, a blasfémia, a provocação, e o desafio ao espectador, constroem a sátira “Monteiriana”. A sexualidade, essa, nunca foi tabu.

O legado de César Monteiro é concluído e eternizado no seu vigésimo segundo trabalho como realizador, de entre mais de dez longas-metragens, tele-filmes e mais algumas curtas-metragens produzidas ao longo da sua carreira. Cannes aproveita a ocasião numa sessão única de “Vai e Vem” na selecção oficial da 56ª edição do festival para homenagear o autor. Entre outras obras premiadas, “Vai e Vem” é reconhecido por um público que lhe presta culto, um público seguramente mais Europeu, tal como o seu cinema foi, é, e será; fruto da sua exclusiva, complexa e extravagante literacia, João César Monteiro distingue-se e ficará para a história como um dos realizadores mais singulares da Sétima Arte.

No último plano do filme, o olho de João César Monteiro em pormenor. Nesses fotogramas reside toda a sua obra, numa só visão, a sua, aquela que lhe permitiu conceber a sua obra total como cineasta.

Viridiana

2010-01-13T03:18:00.003Z

Deliciosamente fascinado com o meu primeiro Buñuel. O resto promete, e de que maneira...

2010-01-02T21:48:00.006Z

Antes de começar: Bom 2010 e que vejam muito cinema!

Para começar o ano trago um filme de Jean-Pierre Melville a sua última obra no mundo do cinema "Un Flic" de 1972 não vou falar muito da história do filme, não há muito que se lhe diga: Um assalto aparentemente perfeito, um polícia (Alain Delon), uma mulher (Catherine Deneuve), uma amizade...não posso desvendar muito...
Um filme que nos deixa "presos" não apenas pela sua história mas pela sua realização, um filme cuidadoso, onde a câmara move-se nos momentos certos, os grandes planos à la Melville criando inquietação os silêncios que o filme vive e as acções longas e demoradas que se fosse hoje em dia provavelmente não fugiam da "faca", acções essa que nos deixam a pensar na próxima acção das personagens e de desenrolar de todo o filme, um filme inteligente e que recomendo.
Se não conhecem Melville não digo que é uma boa iniciação, talvez um "Bob le Flambeur" seja melhor.
Alain Delon não faz um papel de outro mundo, mas a presença dele muitas vez diz tudo, sem dúvida um actor muito bem utilizado na época de ouro do Cinema Europeu.

Commissaire Edouard Coleman (Alain Delon) em Un Flic (1972) - Jean-Pierre Melville

Anos 80

2009-12-28T14:33:00.004Z

Kurt Russell é Snake Plissken um anti-herói americano.

Estamos em 1997, desde 1988 que a criminalidade aumentou brutalmente nos Estados Unidos, a solução: as prisões são as próprias cidades, Nova York encontra-se infestada de criminosos até que recebem um "presente" a queda do air force one com o presidente dos Estados Unidos, cabe a Snake (novo recluso) de salvar a situação. John Carpenter traz "Escape From New York" um filme de acção tipicamente americano dos anos 80 uma mistura de ficção cientifica com a realidade, não é de perto nem de longe o melhor filme de Carpenter, mas de certeza que os fãs deste não vão querer perder, nota para a banda sonora tão típica dos anos 80 com os sintetizadores a lembrar a tão grandiosa banda sonora do Blade Runner.
Um filme recomendado para quem gosta de Carpenter e claro está de Kurt Russell nos seus velhos tempos antecedendo um "The Thing" deste mesmo realizador.

Kurt Russell em "Escape From New York" - John Carpenter (1981)

9

2009-12-28T11:35:00.004Z

Shane Acker traz-nos 9, uma longa-metragem de animação, trabalho continuado de 2005 da sua curta-metragem com o mesmo nome.
A história passa-se num clima pós apocalíptico, onde os Humanos foram mortos pelas suas próprias criações, aquilo que previa ser criado para o bem foi criado com intuito bélico virando-se contra os próprios criadores e arrasando com a raça humana.
Numa forma de redimir-se o seu criador tenta salvar a honra humana e constrói uma série de bonecos de trapos e transmite fragmentos da sua alma para estes acabarem com a destruição criada pelos Humanos.
Vale a pena dar uma olhadela. A mensagem final do filme é aquela já vista em muitos outros, mas vale sempre a pena ver outro ponto de vista.

"Eles não nos deixaram nada...nada. Porque temos nós de corrigir os seus erros?"

O último suspiro de Kubrick

2009-12-28T00:28:00.003Z

Alice Harford: I do love you and you know there is something very important we need to do as soon as possible.
Bill Harford: What's that?
Alice Harford: Fuck.

(In)Diferença

2009-12-27T23:45:00.003Z

Um dia já todos olhamos com algum desprezo para certas situações para certas diferenças, principalmente quando não existe conhecimento sobre o que se trata, foi assim com o Vírus da Sida, é assim mais recentemente com a Gripe A, já depararam com certeza que basta espirrarem para termos olhares constrangedores e uns quantos metros de distância... bem é sobre isso que Neill Blompkamp (um realizador no mundo do cinema com pouco historial) retrata em District 9, com a chancela de Peter Jackson.
District 9 trata do nosso planeta Terra a ser visitado por Alienígenas que por alguma razao vieram parar ao nosso planeta, porém nada de mal trazem nem segundas intenções têm. Porém nós Humanos como bons samaritanos fazemos as boas vindas, arranjamos locais para os desconhecidos viverem criando "guetos",como se fazem aos próprios humanos com estatuto social considerado baixo pelas altas entidades que ditam o que é socialmente aceite.
Contudo como bons Humanos não ficamos por aqui, queremos saber quem são este povo e esta "raça" então fazem-se experiências para ver o que realmente são, porém estas experiências têm outro sentido...saber como funcionam as armas destes alienígenas e como funcionar com elas, Sharlto Copley é um funcionário desta mesma organização que salvaguarda a vida dos "visitantes" assim como o de desenvolvimento de material bélico.
Porém quando Wikus Van De Merwe (Sharlto Copley) é contagiado por um líquido dos alienígenas começa a sofrer uma mutação que vai transformar num "camarão", com esta descoberta a organização quer vender o corpo de Wikus às sociedades para estas poderem usar as armas bélicas trazidas pelos Alienígenas.

Todo o filme é esta fuga de Wikus e toda a vida no Distrito 9, onde os Humanos já controlam a comida no mercado negro. Toda a história é uma autêntica metáfora à vida Humana, todos os problemas de uma sociedade estão aqui demonstrados numa forma muito peculiar, o filme salta de Documentário Ficcional para Ficção sem mesmo o espectador dar conta disso.

Sem dúvida um filme de Ficção Cientifica muito bem conseguido e trabalhado, onde se levantam os mais altos valores da sociedade Humana, tal como muitos o fazem e fizeram, mais uma bela forma de demonstrar se realmente somos assim tão superiores como nos pintam.

District 9 - Neill Blomkamp (2009)

Regresso

2009-12-26T12:19:00.002Z

Muito Bom Natal a toda a gente que nos visita e claro está ao pessoal do blog!
Vou voltar ao activo tive uns bons meses retirado mas estou de volta,

Abraço

O Culto

2009-12-18T12:30:00.011Z

Haverá fenómeno mais curioso que o culto dentro do contexto artístico?
Ou até mesmo em todas as outras faces da vivencia humana?
O culto é fascinante no conceito e mais ainda no processo que o desenvolve.
E o que é isto?
Se pensarmos bem, o processo é simples. A ideia surge, o criador estuda-a, desenvolve-a e concretiza-a.
A ideia chega em forma de obra ao público, e por razões que só a ciência evolutiva pode explicar, um número indeterminado de receptores, identifica-se, emocionalmente e intelectualmente, com a obra.
O culto é o passo seguinte. Quando o espectador deixa de ser um mero receptor e passa a relacionar-se intimamente com a obra. A obra passa a fazer parte do imaginário e quotidiano do espectador.
É um desenvolvimento totalmente involuntário. Começamos a ver uma Série, porque o tema parece interessante e passados três episódios, o culto é activado, acordamos com vontade de ver o episódio seguinte, passamos o dia a segredar aos colegas de trabalho sobre o quão fascinante é o enredo, e ao fim do dia corremos para casa na ansiedade de assistir ao próximo, dramatizo. É incrível como um espectador comum se consegue aproximar de uma determinada obra a ponto de se sentir intimo dela. De sentir que faz parte do processo criativo, do qual essa obra resulta. Isto é um fenómeno largamente conhecido também no cinema, com obras que se tornaram de culto tendo em conta a tamanha proximidade que estas conseguiram junto de um determinado público.

Assisti ininterruptamente durante sete anos á obra de culto “Os Sopranos” e durante esse tempo, conduzi como o Christy, comi como o Tony, e falei como o Sil e imitei o Paulie em momentos bem dispostos com amigos, utilizei expressões italianas para acarretar conversas. Achei-me muitas vezes racista e xenófobo, a família passou a ser a minha primeira preocupação e a lealdade o valor de maior importância. Quase me envolvi em negócios ilegais. E inconscientemente senti-me tão próximo daquelas personagens que as julguei parte da minha realidade. E tudo isto devido á capacidade criativa e ao desempenho notável de um conjunto de artistas que de forma involuntária condicionaram a minha vida e a de outros tantos membros da audiência.
Incrível esta coisa do culto não é?

Despeço-me com os melhores cumprimentos. Volto a dar noticias quando regressar de férias. Por enquanto deixo-vos algumas saudáveis recomendações.

Em DVD

Ponyo à Beira-Mar – Hayao Miyazaki
Inglourious Basterds – Quentin Tarantino
Los abrazos rotos – Pedro Almodóvar

No Cinema

The Young Victoria – Jean-Marc Vallée
Nine – Rob Marshall
Invictus – Clint Eastwood

No Futuro

Fela – Steve McQueen
Shutter Island – Martin Scorsese
The Adventures of Tintin: The Secret of the Unicorn – Steven Spielberg (hoje de parabéns)

Hernani D'Almeida

O Anticristo Lars von Trier

2009-12-10T05:21:00.006Z

Encontro-me neste momento ainda a viver a ressaca, a digerir "Antichrist". Sem dúvida um dos filmes mais impressionantes, marcantes e chocantes que vi na vida. O filme é dedicado a Andrei Tarkovsky, aquele que parece ser o maior ou único ídolo, do "melhor realizador do mundo" tal qual Lars von Trier se auto-intitula. Talvez por isso os Russos o tenham percebido melhor. Segundo um jornalista Russo presente na conferência de imprensa pós-estreia do filme em Cannes, afirmou que o filme teve uma boa recepção na Rússia e que as pessoas o entenderam.
Quanto a mim, devo dizer que apesar de a história não me ter sido clara, experenciei uma das mais extremas sensações que o Cinema me proporcionou até hoje, Von Trier puxou ao limite...
A condução da câmara e respectiva cinematografia são soberbas, o genérico em modo slow-motion (sublime) é trágicamente épico e talvez ainda demasiado hard-core, para grande maioria do público.
De referenciar a boa interpretação de Willem Dafoe e a grandiosa interpretação de Charlotte Gainsbourg, sob uma curiosa direcção de Lars von Trier, como explicou Dafoe na conferência de imprensa.
Do pouco que revelou quanto ás motivações que o levaram a fazer este filme, Von Trier revelou ter atrevessado um estado de depressão, que o terá influenciado significativamente, e afirma ter feito este filme não para as pessoas, mas para si. Talvez isso explique um filme mais fechado, mais para dentro, mais para satisfação própria; e tudo começa a fazer sentido quando diz algo como: é melhor dedicares o filme ao autor em questão em vez de o copiares.

Marty Scorsese regressa em 2010

2009-11-07T01:28:00.008Z

Acabei de ver "Mean Streets" o primeiro clássico da brilhante dupla Scorsese/DeNiro. Ora, não fosse tamanha a admiração pelo criador de obras primas como "Taxi Driver" ou "Goodfellas" diria no mínimo que espero com bastante curiosidade pelo seu novo projecto "Shutter Island" que se econtra já em pós-produção e que conta novamente com Leoardo DiCaprio como protagonista. DiCaprio parece impressionar e merecer a confiança de Scorsese. Quem sabe, uma nova dupla de sucesso para o futuro, como essa que em tempos áureos existiu. Quem sabe também se algum dia (e tão bom que era) voltaremos a contar com ela...

A Woman Under the Influence

2009-10-27T18:07:00.006Z

Citando João Bénard da Costa, "A Woman Under the Influence" é um dos filmes da minha vida e para mim a obra prima do brilhante legado de John Cassavetes, autor de génio raro do cinema independente.
Gena Rowlands, oferece a este filme um credibilidade e genuínidade devastadoras, sob a peculiar, livre e intensa condução/direcção de Cassavetes. Um filme que nos proporciona uma constante revolução de sentimentos, sejam eles bons, maus, constrangedores, intrigantes, alegres, tristes, etc...
Um filme que explora com autenticidade como poucos outros, uma realidade familiar, a personalidade humana e as suas relações com os outros.

Citando desta vez John Cassavetes, "Não acredito que o colapso da Mabel seja um problema social. Está relacionado com relações pessoais. Alguém pode amar-te e ainda assim levar-te à loucura."

Sugar...

2009-10-21T01:29:00.006+01:00

Billy Wilder continua a deliciar-me com o seu cinema e desta vez deliciou-me a dobrar com o astro cintilante, que foi, que ainda é Marilyn Monroe. Dado o meu conhecimento limitado quanto à filmologia (à parte o pequeno papel no sublime "All About Eve" de Joseph L. Mankiewicz) do ícone que Warhol pintou e da capa de revista de que todo o mundo falou, retinha algumas dúvidas em relação às suas qualidades de interpretação. De qualquer forma, "só" com este "Some Like it Hot" Monroe enfeitiçou-me e claro, superou as minhas espectativas. Já Billy Wilder ofereceu-me mais do mesmo, isto é, mais um marco na minha cinefilia.
O Filme que fechou a década de 50 e antecedeu o brilhante "The Apartment" (onde protagonizou uma vez mais o talentoso Jack Lemmon) do início dos 60, tornou-se um caso sério de popularidade e figura lado a lado com os maiores clássicos da história do cinema. Popularidade essa subtraída do génio do seu criador, um dos realizadores mais populares - se não o mais popular - da Cinematografia Norte-Americana, nada mau para um Austríaco.
Devo ainda referir mais dois grandes essenciais de Billy Wilder, "Double Indemnity" (1944) e "Sunset Blvd." (1950) com umas das maiores interpretações que experênciei, Gloria Swanson no papel de Norma Desmond.

The Treasure of the Sierra Madre

2009-10-06T01:18:00.011+01:00

"I know what gold does to men's souls."

Howard

Humphrey Bogart, Walter Huston e Tim Holt em "The Treasure of the Sierra Madre" (1948), John Huston

Recomeço Inspirado

2009-09-10T03:28:00.002+01:00

Numa espécie de tentativa de reanimação do blogue, partilho o meu recente fascínio por três obras primas essenciais da década de 50 - e certamente de toda a história do cinema -, que marcaram a minha cinefilia de verão; e, a "experiência" Six Feet Under, brilhante série, obra singular da produção televisiva.

Alec Guinness em "The Bridge on the River Kwai" (1957), David Lean

Gloria Swanson em "Sunset Blvd." (1950), Billy Wilder

Anne Baxter e Bette Davis em "All About Eve" (1950), Joseph L. Mankiewicz

Peter Krause e Lauren Ambrose em "Six Feet Under" (2001-2005), Alan Ball

O Cinema Português

2009-06-17T16:14:00.006+01:00

O que é afinal o cinema português? Onde fica o cinema português no cada vez mais vasto panorama cinematográfico do mundo, e em especial da Europa?
Na verdade não temos “um cinema português” nunca chegamos a cria-lo apesar das muitas promessas. Para a Europa, e mais ainda para o mundo, o cinema português é Manuel de Oliveira, o único e sumo senhor do cinema em Portugal, e acreditem, para tudo o resto o cinema português é este senhor. Somos pouco mais na vasta dimensão cinéfila. Apesar do mérito às vezes até incógnito, é de certa forma redutivo atribuir toda uma cultura e jeito cinematográfico de um país a um só criador, eternamente experimental.
O que é feito então de todos os muitos criadores nacionais que se destacam pela sua especial aptidão em todos os tipos de arte? No cinema em particular, a ultima geração de criadores apesar de ser já um problema que os antecede, vêem se limitando a fazer cinema por imitação. Ainda que uns mais bem conseguidos do que outros, uns estupidamente comerciais ou outros radicalmente alternativos mas sempre por imitação. Não há uma cultura própria, muito menos uma cultura portuguesa, que se possa chamar de cinema português.
Mas porquê esta insistência em fazer mau ou muito mau cinema em Portugal? Os criadores ou pseudo, acusam o público já pouco habituado a cinema de qualidade, de recusarem experimentar o nosso cinema. Não será este divorcio uma birra de culpa repartida? Não consigo perceber a vergonha e a falta de sentido de oportunidade dos artistas cinematógrafos portugueses na imagem, no grafismo e na dinâmica da nossa cultura e arte no nosso país, ao fim e ao cabo no nosso portuguesismo, recheado de pormenores maravilhosos, de coisas próprias, e tão agradáveis do ponto de vista visual e sensorial. Se imitamos tão mal um cinema que não é nosso, porque é que não aproveitamos os exemplos dos nossos países vizinhos e padrinhos do cinema em Portugal, como a França, Itália e Espanha. Onde todos os filmes de maior sucesso doméstico e internacional giram em redor das suas culturas muitos próprias, dos seus costumes, das suas gentes e visão. Em França os filmes sobre o francesismo são de sucesso retumbante, em Itália um país abarrotado de portentoso cinema, os grandes filmes de culto e maiores sucessos comerciais são retratos dos italianos e do que é ser italiano. Em muitas das minhas viagens ouço com tristeza que a cultura portuguesa tem ainda muito para se dar a conhecer. E somos nós e todos os jovens artistas e cinéfilos portugueses que temos a obrigação de esboçar um novo rumo, alastrando e cultivando o portuguesismo, cá e lá no outro mundo que ainda não o conhece. Temos gente, temos sons, temos cor, temos sotaques, temos ideias e executantes, temos cafés e temos tascas, temos ruas e mato, temos poetas e as vidas deles, temos vontade, falta-nos o nosso cinema! Despeço-me com os melhores cumprimentos. Volto a dar noticias quando regressar de férias. Por enquanto deixo-vos algumas saudáveis recomendações.

Em DVD

Milk – Gus Van Sant
A Valsa com Bashir – Ari Folman
Rocknrolla – Guy Ritchie

No Cinema

This is England – Shane Meadows
Home – Yann Arthus-Bertrand
Dernier Maquis – Rabah Ameur-Zaimeche
Antichrist – Lars von Trier
Home – Ursula Meier
Shotgun Stories – Jeff Nichols

No Futuro

Looking for Eric – Ken Loach – “Cantona… Eric Cantona”
JCVD – Mabrouk El Mechri – “Vamos dar-lhe uma segunda oportunidade”

Hernani D’Almeida

"Paranoid Park"

2009-05-11T23:19:00.006+01:00

Decidi rever "Paranoid Park", desta vez no pequeno ecrã, "pequeno" pormenor redutor em comparação com a espectacularidade de um grande ecrã, mas que logo me passou ao lado quando me deixei levar pela subtileza e leveza dos iniciais longos planos de sequência, que transformaram a arte do skating num belo bailado entre um corpo e o skate, claro, em slow-motion. Confirmei desta vez o que me tinha marcado da primeira, que se trata de uma obra maior do cinema actual e que permanecerá como obra de culto no futuro. A história revela-se bastante simples, a forma como Gus Van Sant a revela e constrói a nível visual e da narrativa - mas também sonoro convém frisar - é que merecem da minha parte como que uma vênia, um obrigado a Gus Van Sant por abrir caminhos ao cinema "novo" e independente. Cinema visto de novos prismas e novas perspectivas e que atravessam cânones gastos.

Gus Van Sant com Gabe Nevins

2009-05-11T19:03:00.013+01:00

VIDA

(Pierrot le Fou - Jean-Luc Godard, 1965)

http://www.youtube.com/watch?v=1YeWXAmpkUI

Ferdinard, Marianne;

Eu nunca posso ter uma conversa séria contigo.

Tu nunca tens idéias, só sentimentos.

Isso não é verdade.

Existem idéias em sentimentos.

A beleza do cinema

2009-05-05T21:59:00.004+01:00

"American Beauty" (1999), Sam Mendes

"Perturbador" de tão real e genial ser.

Um essencial da história do cinema.

2ª geração d'ouro!?

2009-05-01T21:29:00.007+01:00

O jovem cineasta vimaranense continua a somar pontos na sua já promissora carreira. Desta vez Rodrigo Areias foi escolhido pelo Instituto de Cinema e Audiovisual para representar Portugal no próximo Festival Internacional de Cinema de Cannes que se realiza de 13 a 24 de Maio. Representará o país no programa “producers on the move”, uma distinção atribuída anualmente a jovens promissores produtores europeus pela European Film Promotion.

Após ter ganho quatro prémios internacionais e a maior competição nacional de curtas metragens em 2008, enquanto realizador e produtor, com o filme “Corrente”, Rodrigo Areias soma agora mais esta distinção.

Acrescente-se que o cineasta vimaranense criou recentemente, com um série de colaboradores, uma nova empresa de produção e distribuição cinematográfica, sedeada em Guimarães, de nome “Bando à Parte”. Trata-se da primeira empresa do ramo cinematográfico sedeada na também sua ‘cidade-berço’.

Bons tempos estes que se avizinham para o cinema Português

Jack Nicholson

2009-04-21T05:03:00.001+01:00

Um dos melhores e mais prodigiosos actores de todos os tempos:

"Easy Rider" (1969), Dennis Hopper

"Chinatown" (1974), Roman Polanski

"Professione: reporter" (1975) Michelangelo Antonioni

"One flew over the cuckoo's nest" (1975), Milos Forman

"The Shining" (1980), Stanley Kubrick

"Batman" (1989), Tim Burton

"About Schmidt" (2002), Alexander Payne

"The Departed" (2006), Martin Scorsese

"Criança de Bigode"

2009-04-17T14:40:00.003+01:00

Os Plaggio são a banda pela qual nutro um carinho especial e pela qual me orgulho de ser amigo e fiel seguidor, desde os primeiros ensaios aos concertos que por aí vieram. Plaggio, significou desde logo, uma evolução previsível e constatada, pelo talento, criatividade e qualidade que transmitem e registam neste primeiro e feliz EP "Criança de Bigode".
Os Plaggio estão inseridos e imponênciam esta nova vaga de excelente e excitante música portuguesa (e cantada em português!), surgida neste virar de século. Prevê-se um cenário próspero no futuro da música rock portuguesa, onde os Plaggio figuram e se evidenciam, juntamente com os seus congéneres.
Um projecto novo capaz de envergonhar "até", uns tais velhos de uma banda com nome de pancada, que por agora celebram trinta anos de carreira.
O prodígio dos Plaggio assenta em melódicas, refrescantes e poderosas sonoridades, que se exaltam e triunfam verdadeiramente no palco.

No final do mês sairá a esperada edição do EP em disco, até lá passem pela página dos Plaggio no myspace (myspace.com/plaggio), ou visitem o pitch no próximo sábado à noite para uma experiência Plaggio.

o dinheiro nao se come

2009-04-13T02:57:00.005+01:00

(The Edukatores - Hans Weingartner , 2004)

"Just like honey"

2009-04-03T22:55:00.005+01:00

"Listen to the girl
As she takes on half the world
Moving up and so alive
In her honey dripping beehive
Beehive
It's good, so good, it's so good
So good

Walking back to you
Is the hardest thing that
I can do
That I can do for you
For you

I'll be your plastic toy
I'll be your plastic toy
For you

Eating up the scum
Is the hardest thing for
Me to do

Just like honey"

The Jesus & Mary Chain

"Lost in Translation" (2003), Sofia Coppola

2009-04-01T19:31:00.008+01:00

(Good Night Irene - Paolo Marinou-Blanco, 2008)

Um filme produzido pela Filmes do Tejo, filmado em Portugal e Espanha, a representar o melhor que se tem feito cá. A realização e o argumento estão a cargo do jovem realizador Paolo Marinou-Blanco filho de mãe grega e pai português. Que tem com este filme a sua estreia nas longas-metragens. E que bela estreia.
Esta é uma comédia com cenas hilariantes, é um drama com cenas intensas.
Nuno Lopes mais um vez revela-se um dos melhores, se não o melhor da sua geração.
Marinou-Blanco já adiantou que está a preparar a história para o um novo filme, com um tema semelhante a este, e poderá ser filmado na India e em Portugal.

... good night Irene

segunda.

2009-03-23T18:15:00.007Z

Porque o domingo, último post do caro amigo Daniel Abrão deixou àgua na boca aqui ficam mais alguns videos de animação, stop-motion que o fantástico mundo do youtube nos porpociona. diferentes linguagens, diferentes mensagens, autores desconhecidos, Tim Burton, animação musical.

http://www.youtube.com/watch?v=qBjLW5_dGAM

http://www.youtube.com/watch?v=WwqPOkcXrYQ

http://www.youtube.com/watch?v=s3iyAFFElb4

http://www.youtube.com/watch?v=fxQcBKUPm8o

http://www.youtube.com/watch?v=dBvDm_JLEcI

A animação não tem limites, e se para uns a animação é para crianças para outros pode ser usada sobe ponto de vista documental. O mais recente filme A Valsa com Bashir é disso exemplo, já neste blog foi recomendado.

Vals Im Bashir, Ari Folman (2008)

Fantasporto 09 - Hansel & Gretel

2009-03-21T12:32:00.005Z

Toda a gente um dia foi criança, uns tiveram uma infância mais feliz que outros, mas todos a tivermos. Hansel e Gretel fala da magia de ser criança e do mundo onde tudo é possível, basta imaginar para querer. O pior é quando o melhor desejo dessas crianças é tão simples como ter um pai e uma mãe, uma família.

Um filme esteticamente muito bem conseguido realizado pelo Sul – Coreano Pil-Sung Yim, consegue adaptar o conto alemão de Hansel e Gretel.

O filme retrata assim um grupo de irmãos que vivem numa casa numa floresta juntamente com os seus pais, porém algo de misterioso acontece quando recebem uma nova visita, o mundo dos adultos mistura-se com o mundo das crianças, onde a inocência das crianças e o medo que tem provem de traumas passados, porém as crianças com a sua inocencia e medo do mundo exterior conseguem mostrar assim há sua nova visita que a vida que tem não é assim tão má como pensa. Sem dúvida um mundo bem construído de fantasia, horror e mistério.

Porque nem sempre é fácil ser criança.

Um filme que iniciou o meu roteiro oficial do Fantasporto 09.

Hansel & Gretel (2007) - Pil-Sung Yim

Western Lusitano

2009-03-16T17:46:00.004Z

Sábado, 14 de Março, o bar Passos Manuel foi palco de um dos projectos musicais mais interessantes, importantes e aliciantes dos últimos anos.
A sonoridade dos Dead Combo sugere um novo fado e vai buscar a sua grande influência à música de Ennio Morricone e dos filmes de Sergio Leone. A presença senhorial dos dois portugueses em palco reflectiu bem a classe da sua música, das guitarras estridentes à serenidade do contra-baixo, os Dead Combo deleitaram-me com um dos concertos mais marcantes da minha, ainda jovem vida.
Um projecto puramente inspirador e inspirado no mais belo que a 7ª Arte transmite.

"C'era una volta il West" (1968), Sergio Leone

O Cinema

2009-03-16T17:26:00.008Z

O cinema é uma manifestação artística numa plataforma visual dinâmica, logo o cinema é arte, ou pelo menos é o que se diz. O grande problema da arte é que nem sempre a atinge, como se tratasse de um nível qualitativo. Na grande maioria das vezes o objecto artístico não passa de uma tentativa de arte. E no cinema passa-se o mesmo, o que levou o cinema a várias qualificações e géneros. Mas quem determina isto?

Quem determina o que é bom ou mau cinema, o que é arte ou mero entretenimento?

A arte é uma manifestação sensorial e emocional a uma obra física por parte de alguém, mas dependendo de quem é esse alguém, ela pode manifestar-se desde uma forma residual até um êxtase orgasmico. E essa consideração é extremamente volátil visto que está ligada ao nível intelectual, ao estado de espírito ou físico, à interpretação artística ou até ao simples facto de ter ou não tomado o pequeno-almoço, por quem absorve a obra de arte. Isto torna muito difícil determinar o que é bom ou mau cinema. Um professor de Historia e Teoria do Cinema, da Universidade de Uppsala na Suécia, desenvolveu este tema até encontrar várias conclusões, uma das quais é que existem dois tipos de cinema, um de filmes que fazem muito público, e os filmes que agradam sobretudo a conhecedores e interessados no fenómeno do cinema enquanto arte, isto é o que nós vulgarmente chamamos “Cinema Comercial” e “Cinema de Autor” ou “Independente”.

A questão é, pode o “Cinema Comercial” ser bom cinema ou o “Cinema de Autor” uma mera tentativa não conseguida de arte? E se sim então porquê, a teimosa distinção nestes dois géneros base, dividindo-se depois numa interminável variação de géneros, desde: Drama, Ficção-Cientifica, Animação, Terror, Acção, etc.

É realmente necessária a divisão do cinema em duas classes, o Bom e o Mau cinema.

Mas talvez a atenção deva ser virada mais para aquilo que se pretende de um filme por parte do espectador. O filme é feito para ele, independentemente de quem ele seja, o cinema é para todos, para aqueles que conseguem interpretar uma complexa equação, como para aqueles que apenas procuram satisfação sensorial ou distracção ou divertimento.

E a magia do cinema está ai mesmo, em satisfazer pequenos prazeres ao mais comum dos mortais como em provocar manifestações filosóficas e correntes artísticas nos mais dotados dos pensadores. É claro que nem assim haverá consenso. E que a discussão continuará em aberto, até porque novas definições irão surgir no cinema e novas experiências cinematográficas colocarão a nossa noção do que é o cinema alem dos actuais limites.

E isso é o que todos nós queremos.

Despeço-me com os melhores cumprimentos. Volto a dar noticias quando regressar de férias. Por enquanto deixo-vos algumas saudáveis recomendações.

Em DVD:
"Bem-Vindo ao Norte" – Dany Boon
"Californication" (serie 1) – Vários
"O Tal Canal" – Nuno Teixeira

No Cinema:
"The Burning Plain" – Guilhermo Arriaga
"Milk" – Gus Van Sant
"Doubt" – John Patrick Shanley
"Che" – Steven Soderbergh
"The Wrestler" – Darren Aronofsky

No Futuro:
"Maradona" – Emir Kusturica (Um deles é um Génio)

Não Vejam/Não Paga a Pena/Tempo Perdido:
"A Pantera cor-de-rosa 2" – Harald Zwart
"Bride Wars" – Gary Winick
"Veneno Cura" – Raquel Freire (Por favor jovens cinéfilos salvem o que resta do cinema português)

Hernani D’Almeida

Ninguém me atende o telefone...

2009-03-14T19:50:00.005Z

"Rear Window" (1954), Alfred Hitchcock

"Smulltronstället"

2009-03-04T06:20:00.009Z

«É de manhã, Isak Borg inicía um passeio por uma rua vazia, um lugar deserto. Isak olha em volta – as portas e janelas das casas estão fechadas –, avança até ao passeio e encontra, mais à frente, um enorme relógio pendurado por um ferro preso à parede da fachada. Um relógio com a particularidade de não possuir ponteiros, Isak aproxima-se, pára, e observa-o; este balança levemente ao sabor do vento. Retira um relógio do bolso e confirma a ausência dos ponteiros, a ausência do tempo. Enquanto guarda o relógio de bolso, observa o outro, aquele que o impede de seguir a sua exploração. Sob um sol intenso, que parece perturbá-lo, retira o chapéu, leva a mão à testa e refugia-se na sombra da sua incredibilidade, o relógio. Decide avançar pela rua, e percorre alguns metros. Pára, olha mais uma vez em volta, perdido volta para trás para junto do relógio, volta-se e fita o cenário vazio. Na rua, um homem de costas; Isak avança vagarosamente até ele, estende o braço até tocar no seu ombro, o homem vira-se, Isak assusta-se. O corpo que não tem corpo cai no chão e derrama-se pela estrada. Isak avança um pouco mais até à esquina, uma carroça fúnebre puxada e dirigida unicamente por dois cavalos dobra a esquina e dirige-se em direcção a Isak; passa por ele e mais à frente, uma das rodas traseiras embate num poste de luz. Por mais duas vezes, os cavalos insistem na sua marcha e fazem a roda chocar contra o poste, a roda parte-se e solta-se da carruagem girando perdida em direcção a Isak, que se desvia e evita a roda. A carruagem oscila com violência, presa ao poste, até que um caixão desliza e cai, a carruagem segue o seu caminho. Isak, muito lentamente, avança até ao caixão caído e entreaberto com um braço estendido para fora. A mão mexe e agarra no braço de Isak. Isak perturbado, luta pelo seu braço, do caixão surge ele próprio, puxa-o. Vem buscá-lo para a morte...»

"Smulltronstället" (1957), Ingmar Bergman

2001:

2009-03-03T02:14:00.006Z

"Atrás de cada pessoa viva estão trinta fantasmas, pois essa é a proporção dos vivos para os mortos. Desde o princípio dos tempos, cerca de cem biliões de seres humanos pisaram este planeta. Cem biliões é aproximadamente o número de estrelas na nossa galáxia Via Láctea. Isto significa que para cada pessoa que já viveu existe uma estrela. As estrelas são sóis, com planetas que giram à sua volta. Não é interessante pensar que há espaço no firmamento para cada pessoa ter o seu mundo?"

Sir. Arthur C. Clarke

"2001: A Space Odyssey" (1968), Stanley Kubrick

Bravo Sean Penn!!

2009-03-02T03:41:00.005Z

"Milk" (2008), Gus Van Sant

Vida normal

2009-03-02T01:37:00.008Z

"Aanrijding in Moscou" é um filme belga premiado pela presente edição do festival Fantasporto.
O filme conta a história de uma mulher oprimida pela infelicidade, mãe de três filhos e esposa de um homem, com crise de meia idade, fugido por um amor novo. Matty acredita ainda no regresso do seu marido e da sua normalidade quotidiana, quando um jovem camionista - Johnny - desiludido com o sexo feminino e de coração quebrado, se apaixona por ela. Quando Matty decide largar o fantasma do seu marido e ceder ao apaixonado camionista, o seu marido decide voltar. A vida de Matty complica-se...

Filme carregado de bons momentos de humor, com excelentes interpretações (principalmente por parte de Barbara Sarafian - "Matty"), suportadas por um argumento fantástico, que peca unicamente e com grande perda, na minha perspectiva, pelo final.

"Aanrijding in Moscou" (2008), Christophe Van Rompaey

Vicky Cristina Barcelona

2009-03-01T15:15:00.007Z

(Vicky Cristina Barcelona - Woody Allen 2008)

Vicky e Cristina, são duas amigas americanas que acabam de chegar a Barcelona para passarem dois meses. Rebeca Hall - também em Frost/Nixon, outros dos filmes em exibição e nomeado para óscares - representa Vicky, uma jovem que se encontra em Barcelona a fim de aprender um pouco mais para o seu mestrado. Cristina - Scarlett Johansson - por outro lado, está em terras de catalunha para passar umas férias, e para esquecer o seu último namorado. Lá conhecem um artísta plástico Juan Antonio - Javier Barden. Este é um homem libertino, amante da arte e dos pequenos prazeres da vida, inclusivie de bom vinho português, e encontra-se separado de Maria Elena - Penénope Cruz - que começa a aparecer apenas a meio do filme, mas que não deixa por isso passar despercebida a sua representação.

Os três, Vicky, Cristina e Juan embarcam num fim-de-semana para Oviedo, dias esses que dão azo ao conflito vivido no filme.

Este, pode-se certamente comprovar que é um dos filmes ao nível de um «Match Point» mas, mais ousado ainda. Catalogado como comédia, contúdo os mais habituados ao ritmo cómico de Woody Allen não verão neste a constante habitual intelegência cómica nos diálogos.

"O que é o amor?!" é uma pergunta frequente ao longo da narrativa, embora a resposta não nos é dada, pois claro, em vez disso é nos mostrado uma formula de amor pouco comum nas relações humanas, trata-se de uma relação de bigamia, mas sem o casamento.

A efemeridade da vida é uma preocupação clara de Woody e isso acaba por ser um dos traços que compõem esta obra.

Num filme em que se respira arte, pois para além de grande parte dele ser rodado na capital catalã, e por isso referências a Miró, os personagens também são eles artístas que nos levam pelos seus modos de expressão e ideais de vida.

Maria Full of Grace

2009-02-15T19:28:00.007Z

(Maria Full of Grace de Joshua Marston, 2004)

Numa linha quase documental, “Maria Cheia de Graça” é um filme que nos leva à realidade do trafico de drogas entre Colombia e EUA. O filme aborda a história de uma rapariga que trabalha durante o dia inteiro a tirar espinhos das rosas. Perde o trabalho, o seu relacionamento amoroso termina, e basicamente isso tudo vem dar o mote a que novas oportunidades surjam.

Primeira longa-metragem deste jovem realizador, este é um filme que depois de visto, pode dar vontade de ver documentários sobre a colombia, sobre a procura do sonho americano, sobre tráfico de drogas. enfim, devem-no encontrar num quioske por pouco mais que um pacote de chicletes.

O que uma pessoa é capaz para salvar a dignidade?! Tem isso um preço?!

Diz Hernani d'Almeida

2009-02-07T23:14:00.003Z

Através do meu nome, o compinxa abaixo referido, postará aqui os seus textos, como escritor convidado.

"Boas,
Bem, antes de mais, apesar de eu não gostar de começar uma conversa com “antes de mais”, o meu nome é Hernani D’Almeida, e quem sou eu? Ninguém, tal e qual Ulisses, mas já que tenho acesso ao melhor blogue cinematográfico do mundo e tempo livre, cá estão as minhas saudações.
Ora bem, não esperem de mim análises complexas e críticas cheias de eufemismos e truques de escrita manhosos, para isso existem aqueles críticos janotas a quem pagam para dar opiniões e que todos os natais se fartam de embirrar com o “Porquinho Babe”. Da minha parte podem esperar dois olhos, um par de ouvidos, um Cérebro, dez dedos e uma carrada de ideias e pensamentos acerca daquilo que todos nós gostamos, cinema, e alguns de filmes. Despeço-me com os melhores cumprimentos. Volto a dar notícias quando regressar de férias. Por enquanto deixo-vos algumas saudáveis recomendações."

Em DVD
Promessas – Emir Kusturica
Fados – Carlos Saura
Tropa de Elite – José Padilha
O melhor da liga dos últimos – Vários

No Cinema
RocknRolla – Guy Ritchie
Religulous – Larry Charles
A valsa com Bashir – Ari Folman
Hunger – Steve McQueen
O Estranho caso de Benjamin Button – David Fincher
A Onda – Dennis Gansel

No Futuro
Inglorious Basterds – Quentin Tarantino – prevê-se genialidade

Não Vejam/Não Paga a Pena/Tempo Perdido
Second Life – Alexandre Valente
Contrato – Nicolau Breyner
Correio de Risco 3 – Oliver Megaton

Hernani D’Almeida

Dr. Camaleão

2009-02-05T20:34:00.010Z

Peter Sellers é Dr. Strangelove, President Erkin Muffley e Captain Lionel Mandrake. Sellers ficou para a história como um actor incrívelmente dotado e atingiu a sublimação em "Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb" com estas três personagens e sob uma grande direcção de Stanley Kubrick.
Um filme do melhor que a 7ª Arte ja viu nascer, e um trabalho de interpretação lendário.
De referenciar também, o tão controverso como magnífico "Lolita" - mais uma vez Kubrick - com mais outra grande interpretação de Sellers: Clare Quilty.

Fast Food

2009-02-04T23:42:00.004Z

Taken (2008) - Pierre Morel

Bem o título deste post é simples e claro.
Cinema Fast Food. Cinema que tem um aspecto agradável mas o conteúdo não enche.
Assim se resume Taken filme de Pierre Morel.

Para começar com argumento de Luc Besson não podia deixar fugir ao tipo “The Transporter “ (2002), uma história em que um pai reformado (Liam Neeson) tem uma relação péssima com a família devido ao seu antigo emprego, espião de uma agência governamental americana. Nisto a filha (Maggie Grace, série Lost) uma adolescente de 17 anos, decide viajar pela Europa para assistir há tournée dos U2, na primeira paragem, Paris é raptada juntamente com a sua amiga Amanda (Katie Cassidy) por um grupo de Albaneses cujo negócio é raptar turista para vender no mercado sexual para gente rica e famosa. Ora Bryan (o pai) sendo um ex-agente da CIA faz tudo por tudo para voltar a rever a filha e ao mesmo tempo salvar a relação com esta.

Todo o filme é um frenético partir de ossos, cabeças e tiros, Bryan é capaz de entrar numa casa e num minuto matar dez pessoas sem sequer ficar ferido, sendo um argumento de Luc Besson os carros não podiam faltar (argumentista também de Taxi, 2004) e como visto na trilogia "The Transporter" a marca Audi é sempre valorizada acabando por uma parte do filme ser um autêntico filme publicitário para a dita marca de carros. Outra coisa dos filmes de acção que vi dos últimos tempos é a câmara à lá Paul Greengrass (The Bourne Ultimatum 2007) cujo espectador fica sem perceber um único minuto do que se está a passar e quando se dá por ela a sala já está rodeado de pessoas mortes no chão, bem para terminar a referência que Pierre Morel foi director de fotografia do “The Transporter”, pode-se dizer que é um grupo de amigos que decide brincar aos tirinhos.

Taken (ou será mais um Transporter 4 com Liam Neeson?) é um filme que passados cinco minutos do seu fim já se esqueceu, por isso,

Bom apetite e cuidado com o colesterol.

Answer: ?

2009-02-01T01:00:00.011Z

País: Índia.

Índia é o segundo país com mais população de todo o mundo tem mais de um bilião de habitantes.
Bombaim é a sexta maior cidade metropolitana do mundo, com cerca de 20 milhões de habitantes.
É aqui que começa a história de Jamal Malik (Dev Patel) um jovem sem qualquer tipo de educação que vive na favela de juhu e está prestes a ganhar 20 milhões de rupias (moeda na Índia) num programa conhecido por todo o mundo “Quem Quer Ser Milionário”, falo de Slumdog Millionaire (2008) o último filme do britânico Danny Boyle (Trainspotting 1996).

Slumdog Millionaire é uma história de crenças e destino, Jamal Malik (Ayush Mahesh Khedekar) vive numa favela com o seu irmão Salim (Azharuddin Mohammed Ismail) vivem uma vida de miséria num dos países com mais diferença de distribuição de capital de todo o mundo.
Apesar da miséria Jamal e Salim tentam sobreviver como podem, enquanto crianças tudo corre bem, a preocupação de Jamal é conseguir um autógrafo do seu ídolo do cinema de Bollywood (onde não falta uma homenagem nos créditos finais).
Porém a etnia local (marata) atacam a favela dos dois irmãos matando tudo o que vêem, Jamal e Salim escapam assim como Latika (Rubiana Ali), tentando sobreviver num mundo de miséria, são acolhidas por uma mão generosa, contudo com o passar do tempo as atrocidades feitas por essa pessoa são enormes de maneira a receber cada vez mais dinheiro, usando para tal crianças abandonadas. Quando encontram uma hipótese para fugir, os “três mosqueteiros” escapam, porém Latika fica para trás.

Jamal (Tanay Chheda) não desiste do sonho de encontrar Latika e faz tudo por tudo para encontrar o seu amor de infância.
A história da vida de Jamal e a cumplicidade do seu irmão é vivida no decorrer do programa de televisão “Quem Quer Ser Milionário” Jamal responde às perguntas recorrendo a tudo o que tinha vivido até ao momento que se encontra.
A sabedoria não vem só dos livros mas também das vivências da realidade.

O filme é contado com um jogo interessante de montagem e de movimentos de câmara a fazer lembrar os primeiros tempos de Wong Kar Wai (como por exemplo Dou luo tian shi – 1995, Fallen Angels), de observar o toque de realizador durante uma cena que não faz parte directamente com a história (tal como Sean Pean o fez com Emile Hirsch em Into the Wild 2007).
Um drama com uma mistura de humor, num filme obrigatório, um dos melhores filmes de 2008.

Porque a vida de cada um já se encontra escrita.

Slumdog Millionaire (2008) de Danny Boyle

Gran Clint

2009-01-31T21:08:00.007Z

O final de 2008 foi sem dúvida um final em grande para Clint Eastwood.
Há semelhança de 2006 que realiza, mas neste caso, dois filmes sobre o mesmo assunto mas em perspectivas opostas , onde Letters from Iwo Jima é automaticamente um clássico americano, Clint volta a realizar dois filmes em 2008 num curto espaço de tempo.
Não é de Changeling que se trata, mas sim de Gran Torino.

Clint Eastwood volta a ser actor num filme desde 2004 (Million Dollar Baby, realizado pelo próprio) e sem dúvida que o papel que interpreta é uma mistura de Insp. 'Dirty' Harry Callahan (Dirty Harry-1971 de Don Siegel) com Frankie Dunn (Million Dollar Baby)

Walt Kowalski (Eastwood) viúvo, pai de dois filhos que nunca conheceu realmente (o inicio do filme funciona como a introdução de Kowalski) é um ex combatente da guerra do Vietname, uma pessoa que não quer saber dos seus vizinhos (vive num bairro de emigrantes hispânicos e chineses).
Acompanhado apenas pela Daisy (uma labrador retriever) que no inicio do filme é a única companhia que Kowalski têm,e os problemas dos vizinhos (que se mantém há distância desde que não pisem o seu "jardim"). Até que um dia Thao Vang Lor (Bee Vang) entra na vida de Kowalski e muda a maneira de este ver os valores que desprezava e até ser o pai que nunca foi.
Filme que levanta algumas questões étnicas e sentimentais onde o Padre Janovich (Christopher Carley) (uma espécie de consciência para Kowalski) tem um papel importante no desenrolar do filme.

Gran Torino é um filme bem construído, a narrativa funciona e tecnicamente estamos perante o cinema clínico que os americanos nos habituaram. Se isso é mau? Não, quando bem utilizado.
Se o cinema americano (o dito comercial) não está pelas portas da morte é devido a realizadores como Clint Eastwood.

Gran Torino ( 2008) - Clint Eastwood

Nada dura para sempre

2009-01-20T02:14:00.009Z

David Fincher realiza mais um filme soberbo. O género é diferente do que se conhecia da obra, deste cada vez maior, grande realizador da 7ª Arte. Um drama biográfico que conta a vida de um personagem fictício, uma história que podia muito bem ser uma fábula.

A história fala sobre Benjamin Button, que nasce fisicamente envelhecido, porém, mentalmente recém-nascido, e, se torna até à sua morte mentalmente envelhecido e fisicamente recém-nascido. Oposto, em parte, á evolução natural de um ser vivo.
Com esta premissa científica e filosoficamente fascinante, Fincher explorou da melhor forma o drama vivido pelo personagem, e pelos que o rodeavam.
Um filme emocinante, muito bem escrito e realizado, protagonizado pelos dois melhores actores desta geração e com um final de génio.
Sem dúvida um dos melhores filmes da década.

"The Curious Case of Benjamin Button" (2008), David Fincher

Vivre Sa Vie

2009-01-17T03:45:00.005Z

«Vivre sa Vie» de Godard (1962)

Considerada a obra prima de Jean-Luc Gorard por muitos, Vivre sa Vie é um filme apaixonante, a chama!? essa tem o nome de Anna Karina.

Mais uma vez em Godard não é a narrativa a alavanca do filme. Trata-se de experienciar, o espectador, as vivências da personagem e as suas pertinentes inseguranças num mundo que não controla.
Filme em doze cenas temporalmente fragmentadas sem ligação espaço tempo entre elas.

http://www.youtube.com/watch?v=LlBS3PmPfaI

Nouvelle Vague

2009-01-14T23:12:00.009Z

Em 1958 François Giroud faz a primeira referência a jovens cineastas que alteraram os moldes narrativos até então vistos no cinema, estava assim lançada a expressão de Nouvelle Vague.
Nesse mesmo ano um jovem realizador francês Louis Malle estreia a sua segunda longa- metragem.

Les Amants (Os Amantes) um filme de uma mulher (mais uma vez Malle utiliza Jeanne Moreau) aborrecida com a sua vida de casada decide explorar o amor de um amante, contudo num momento da sua vida conhece Bernard (Jean-Marc Bory) descobrindo caminhos mais interessantes que a vida tão singular que vivia.
Um filme surpreendente com uma das cenas de sensualismo mais bonitas que já vi (equiparável há cena que Alain Resnais conseguiu em Hiroxima mon amour).
Pouco a falar de um filme obrigatório do cinema francês antecipando uma Catherine de Jules et Jim (1962) de François Truffaut, Louis Malle toca assim no tabu da emancipação da mulher que mais tarde outros realizadores o fizeram.

Contudo os cineastas do novo movimento (incluindo Godard, Truffaut, Claude Chabrol e Eric Rohmer) rejeitam a obra de Louis Malle afastando-o da nova geração de cineastas pelo cinema de Malle não se inserir no estilo que estes praticavam.

Louis Malle dá os passos numa carreira que promete fazer história sendo um dos poucos realizadores franceses a ser conseguido nos Estados Unidos sem alterar a sua estética e modo de pensar (o cinema de Malle “ataca” sobretudo os costumes da burguesia) mas ao mesmo tempo com uma carreira pouco conhecida hoje em dia.

Les Amants (1958) - Louis Malle

Unicórnio

2008-12-27T04:52:00.014Z

Black Moon de Louis Malle 1975

Guerra.

A Guerra sempre existiu, ao longo da História da Humanidade foram diversos os conflitos que surgiram por diferentes motivos, políticos, monetários, etnias, em suma sociais.

E se a vida plena que recordamos e vivemos torna-se numa guerra sangrenta entre sexos? Sempre foi questionável a guerra entre sexos entre Homem e Mulheres, quem ganharia essa guerra que ao longo das décadas tem levantado diversas questões?

Louis Malle, realizador francês nos seus primórdios Câmara de Jacques-Yves Cousteau, em 1975 apresenta uma temática aparentemente simples mas que no seu desenrolar se torna um filme surpreendentemente surreal.

Black Moon ou em Português O Unicórnio, leva o espectador ao passar da barreira entre o Real/Imaginário, Cathryn Harrison interpreta o papel de Lily que na sua viagem por um país em guerra encontra um Unicórnio que mudará a sua maneira de ver/viver todos os acontecimentos vividos após o visionamento do animal mitológico que segundo os gregos o seu unicórnio em espiral é o perfurar da barreira física (no filme vai mais alem disso e passa a barreira psicológica) entre o mundo real e o imaginário.

Louis Malle apresenta assim um filme diferente de tudo o que tinha feito, levando o surrealismo a outros patamares.

A incrível falta de diálogos nos primeiros vinte minutos e o surrealismo dos restantes leva a que o som tenha um papel fundamental ao longo de toda a longa-metragem.

Não querendo dando um valor critico a esta “análise”a cena da interpretação de Tristan e Isolde é algo admirável, sem dúvida um filme que recomendo, com uma fotografia do grande Sven Nykvist transpondo o filme a um nível algo surpreendente.
Outra nota é a grande paixão que Louis Malle tem pelos animais (influenciado talvez por Cousteau) que tem uma grande força ao longo do todo o filme.

Um chamamento ao surrealismo de um realizador magistral e pouco conhecido.

Se existe uma fuga para um conflito sem dúvida que essa se encontra dentro de cada um.

Recomendo vivamente os filmes deste realizador apaixonado pelo Jazz (como no filme que falarei dentro de dias “Ascenseur pour l’échafaud” 1958 em que Miles Davis dá o seu toque de magia na banda sonora).

Black Moon de Louis Malle 1975

"Le temps détruit tout"

2008-12-24T19:16:00.006Z

Irréversible (2002), Gaspar Noé

Um filme diferente

2008-12-20T20:37:00.012Z

Eifersucht - Laszó Moholy-Nagy

Este é um trabalho do fotógrafo Nagy com colagens fotográficas, uso do negativo e desenho de elementos, intitulado Eifersucht em alemão significa inveja. Não sei se partilham do mesmo que eu, mas ao olhar para esta imagem vejo um filme. Vejo o desejo e o indesejo, os conflitos. A luz e as sombras. As sombras e a luz. E mais não digo, que diga a imagem.

Como estes, existem outros trabalhos deste importante artista da Bauhaus que merecem a vossa atenção, façam uma pesquisa, ou visitem este link.

O Lado Italiano

2008-12-14T02:07:00.005Z

Quando se fala de Cinema Italiano associa-se de imediato a neo-realismo, numa Itália destronada por uma II Guerra Mundial surge o cinema do sonho da tentativa do rejuvenescer de uma realidade.

Quando a escassez de emprego é tanta que as atitudes Humanas são levadas ao extremo (o próprio actor encontrava-se desempregado desde o fim da II Grande Guerra).
Vittorio de Sica realiza em 1948 Ladri di biciclette, onde um objecto tão simbólico como uma bicicleta é o rastilho de toda uma procura.
Antonio Ricci actor amador (assim como todos os actores do filme) entra no seu único filme como Lamberto Maggiorani, um pai de família que procura sustenta-la. Para isso o único emprego que encontra envolve ter uma bicicleta, porem quando o seu roubo acontece a perseguição por uma cidade ainda miserável de um pós guerra recente começa. Quando julga ter encontrado o ladrão, Maggiorani é surpreendido.
Num final à maneira do cinema de Vittorio de Sica, a forte motivação das personagens é sentida pelos fantásticos planos conseguidos. A alienação de Maggiorani e a perda de tudo aquilo que tentava proteger é a imagem translúcida de um país que tenta a redimissão de uma Guerra devastadora.

Vittorio de Sica cria assim ao seu estilo trágico um cinema social que faz pensar/reflectir sobre os valores Humanos mais altos como a sobrevivência do eu e daqueles que se tenta proteger.

Um filme clássico e um marco histórico no cinema.

Enzo Staiola e Lamberto Maggiorani em Ladri di bicilette (1948) - Vittorio de Sica

O 13

2008-12-13T01:23:00.011Z

Atrevo-me a escrever o seguinte post depois de ver uma opinião tão bem feita do Leonel Meneses sobre a relação de televisão cinema ou diria antes por "ordem cronológica" CINEMA - televisão. Mas como se trata desse grande e velho "pai" sigo em frente.

Olho para a hora e penso que filme ver, é estranho quando a qualidade de escolha é muita e não se sabe o que se sente para escolher o filme que vai encontro a tal.
Por isso antes dessa escolha difícil, olho para a data e vejo 13.
Bem poderia falar de uma sexta-feira 13 mas uma vez que é sábado falo do “simbólico” 13.
Para alguns 13 é número de azar para outros os menos supersticiosos um número como os outros, para George Babluani o 13 foi um número de mudança, se de azar se trata o filme mostra.

Porque a vida é feita de decisões e nem sempre as que se escolhe são as mais acertadas, percorremos o caminho sempre à procura do que é melhor (ou se acha que é) mas às vezes se esquece que no fim desse caminho só existe uma coisa a morte.
13 Tzameti é disso que se trata a decisão que se toma que pode atalhar a vida para o seu rápido final.
Géla Babluani realiza a sua primeira longa-metragem com uma narrativa bastante simples mas que funciona.

Sébastien (George Babluani) toma a decisão de entrar num jogo que ele próprio desconhece as regras, quando dá por ele encontra-se numa sala com uma simples lâmpada e com 13 indivíduos em círculo todos eles com um objectivo, ter sorte para sobreviver e matar num jogo de roleta russa, onde apostadores esperam que o seu número seja o vencedor. Se a condição humana para uns é valorizada e até hino de protesto para outros é mais um motivo para ganhar dinheiro e apostar na próxima “carcaça”.

Estranho pensar que o último momento das vidas Humanas é a visão de uma simples luz a acender (como se fosse a luz ao fundo do túnel, luz de salvação para uns, a luz de morte para outros) e o tremer de uma arma na nossa cabeça, estranho pensar que como seres humanos (raça supostamente racional e superior aos animais irracionais) se tranformem em predadores sedentos de adrenalina e medo.

13 Tzameti é a sorte de sobreviver e tentar encontrar o caminho de volta para casa, porque no fundo há sempre uma luz no fim do caminho.

George Babluani em 13 Tzameti de Géla Babluani (2005)

Cinema e a Telvisão

2008-12-12T03:24:00.010Z

Sabemos que o cinema nasceu antes da televisão, sabemos e estámos conscientes das diferenças de ambos. No que diz respeito à ordem cronológica, o cinema vem antes da televisão, e sabemos que a televisão utiliza téncicas que o cinema foi ao longo dos anos criando e "obrigado" a usar, como a camera, luzes, cenários ... Afinal de contas os dois mostram imagem e som. E posto isto, podemos afirmar que de certa forma o cinema é o pai da televisão, o padastro digamos antes assim. Porque acredito que se o cinema fosse uma pessoa - ideia utópicamente ridícula - não aceitaria a televisão como seu filho. Simplesmente não aceitava - isto se fosse uma pessoa com bom senso - qual é o pai que dava apoio a um filho que consegue congelar partes do cérebro das pessoas, tirar fundos ao estado, que poderiam estar a ser gastos num filme interessante, para passar quatro telenovélas por dia num só canal?! E destroir todos os princípios que o cinema criou, salvo meia dúzia, vinte, programas de informação, seja ela da mais vasta gama de temas, e alguns programitas, o resto é um insulto ao padastro mal tratado da caixinha mágica. Poderia-me extender bem mais, mas não creio que valha a pena. Afinal de contas quem vem a este blog não quer certamente ler sobre televisão. Fecho então esta minha semi manifestação da CGTP das minhas ligações cerebrais com citações de um grande senhor do cinema, e que merece que as suas palavras sejam ouvidas, ou lidas. O Propósito deste post é o que vem a seguir...

"O Cinema trás recordações, a televisão esquecimento"

"A televisão baseia-se em textos, o cinema nas imagens"

Histoire(s) du cinéma, realizado por Jean-Luc Godard e lançado na TV francesa,

a fim de definir a relação entre aspectos televisivos do programa e as

diversas tradições cinematográficas que para ele confluem. Histoire(s) du cinéma

é o resultado de uma trajetória de mais de quatro décadas de Godard como crítico e cineasta, constituindo um olhar retrospectivo para o cinema, em especial

para a produção hollywoodiana.

"O cinema, que era uma arte popular, deu nascimento à televisão, e isso por sua popularidade, mas também ao desenvolvimento da ciência. Ora, a televisão é a cultura, ou seja, comércio; transmissão, e não arte. O que os ocidentais chamavam de arte se perdeu um pouco. Minha hipótese de trabalho em relação à história do cinema é que o cinema é o último capítulo da história da arte de um certo tipo de civilização indo-européia."

Se a TV, como diz o próprio Godard no programa, reduziu o cinema ao nível do Pequeno Polegar, o que ele faz dentro da TV com a(s) história(s) do cinema?

"Di Cavalcanti"

2008-12-12T02:38:00.007Z

Eis um filme que prima pela diferença. Nunca uma cerimónia foi filmada e realizada de tal forma.
Glauber Rocha abordou à partida uma postura nada ortodoxa em relação à morte do grande pintor e artista brasileiro Di Cavalcanti. Rocha registou o momento que é negro, pesado e deprimente e transformou-o numa alegoria à vida, retratando poéticamente a "história" do pintor.
Em termos mais técnicos, Rocha, narrando de maneira efusiva e até festiva, colou as imagens cruas de forma atordoante, ao jeito do que fez Godard, em "Histoire's du Cinema", o que resultou num objecto final bastante interessante.

Mais uma obra que foge ao "cinema convencional", mas que dá um excelente contributo ao "cinema sensacional".

Yurîka

2008-12-12T01:23:00.006Z

Yurîka (2000) - Shinji Aoyama

Estranho quando se chega ao ponto de dizer estou farto de fazer diariamente este caminho, apanhar o mesmo transporte público, esperar que algo acontece para transformar a viagem diferente.
E quando o que muda nesse caminho é algo tão forte que modifica não apenas a viagem diária mas sim a viagem permanente da vida?
Quando esse acontecimento muda de um momento para o outro a relação com os outros, a relação com o eu pessoal, a relação com o mundo como se sentisse um ponto só numa imensidão de linhas.

É disso que se trata Yurîka (2000) do Japonês Shinji Aoyama, a viagem de dois irmãos que é interrompida por algo tão forte que apenas quem o viveu consegue compreender. Quando Makoto Sawai (Kôji Yakusho) é o único que consegue passar a parede traumática, porém será isso o suficiente?
217 Minutos de um mundo a preto e branco (mais precisamente sépia) onde o espectador se afasta permanente das personagens (com planos gerais magníficos) e ao mesmo tempo se aproxima do mundo tão próprio das personagens.

Filme que respira de uma magia única, e tal como referi no inicio deste blogue o cinema é o retrato de todos esses caminhos que às vezes não são os mais correctos.

Se a vida é fácil? Nunca foi...

Apetece-me...

2008-12-11T19:43:00.003Z

...dizer que a Sophia Loren podia muito bem chamar-se Afrodite. Uma verdadeira deusa em forma humana.

Bizarre Love Triangle II

2008-12-10T11:04:00.009Z

(Stranger Than Paradise, Jim Jarmusch 1984)

Podia ser a segunda parte do post do "Jules et Jim" do senhor Bidarra, mas não o é. Trata-se de outro Bizarre Love Triangle, ao ler o post lembrei-me de um delicíoso filme do "novo" cinema americano, "Stranger than Paradise". Há quem defenda que com uma mulher bonita, uma pistola, e dois homens se faz um filme. Neste a pistola não é necessária. Não sendo própriamente uma história de amor, acaba por tê-lo à mesma. Um amor entre três pessoas que se conhecem ainda que não por própria vontade, mas que acaba este por ser o combustível dos três personagens. Amor não de carácter libinal mas de amizade, repleto de pequenos promenores irónicos, tal como na vida de qualquer ser, esta comédia é filmada com longas cenas apenas com um único plano, típico de Jim Jarmusch, e está dividido em três actos. Um belo filme para não verem em família.

O Melhor: A simplicidade, muito por culpa do uso de um só plano em cada cena. Que faz com que a certa altura parece que estamos no filme também, ou atrás da camera, e somos nós membros da equipa técnica e estamos a assistir a um take, e depois a outro take ... e outro

O Pior: O final

(Richard Edson, Eszter Balint, Jonh Lurie)

http://www.youtube.com/watch?v=qpQ3HrmjjSc

"I love you

I love you anyhow

I don't care if you don't want me

I'm yours right now

I put a spell on you

Because you're mine, mineMine!!!

aah whoahh huh "

Bizarre Love Triangle

2008-12-10T00:40:00.008Z

Podia muito bem ser o título de uma música dos New Order, mas, trata-se sim de um trio que protagoniza uma das histórias mais belas da história do cinema.
Amores e amizades singulares, inseparáveis e indestrutíveis.
Se no cinema em geral se fala de "dramatização", François Truffaut falou "desdramatização" com uma beleza contagiosa.
"Jules et Jim" faz lembrar que os adultos não deixam nunca de ser crianças, e, o quão simples e nobre o cinema pode ser.

Jules et Jim (1962), François Truffaut

Jean Seberg

2008-12-08T22:18:00.005Z

Porque há mulheres inspiradoras, musas...

À bout de souffle (1960), Jean-Luc Godard

Entre a tragédia grega e o cinema experimental

2008-12-07T18:54:00.007Z

Na Sexta feira passada tive o prazer de assistir à ante-estreia da primeira longa metragem do jovem realizador, Rodrigo Areias, "Tebas". Filme que conta a viagem de um luso-descendente de Paris até Portugal em busca das suas raízes. Apanha boleia de um camionista, representado por Nuno Melo. A viagem varia entre situações bizarras, outras serenas, refletindo a óptima gestão do equilibrio das primeiras cenas da narrativa, variações essas que Rodrigo Areias nos vai abituando ao longo do filme . Filmado em Paris, no norte de Espanha, no Gerês, no Porto e em Guimarães, Tebas segundo o realizador, "É um filme todo ele experimental, em que pude usar livremente os meios técnicos, os espaços e as personagens sem sentir que tinha que respeitar esta ou aquela tendência". Ainda sem distribuição comercial, o filme entra, em Janeiro, no circuito da Federação Portuguesa de Cine-Clubes. Vai ser exibido em outros locais e por outras entidades mas, inicialmente, os cine-clubes serão o local privilegiado.
O resultado é uma mistura, entre a adaptação da tragédia clássica de Sófocles, “Rei Édipo", e o universo das histórias de Jack Kerouac, o que faz dele um road-movie surrealista.

O melhor: A fotografia, a Realização, e Nuno Melo

O pior: A Forma como o contemporâneo, o sexo e o rock n' roll coabitam com o classisismo de Sófocles.

A 7º Vida

2008-12-05T20:24:00.009Z

É sempre difícil começar algo, então quando se fala de um mundo tão subjectivo como o cinema, demoraríamos uma infinidade de horas, dias, anos...enfim uma vida.

A realidade, as memórias, as crenças, a vida retratada, registada, vista e guardada na gaveta à espera de ser revista, recordada.

Porém o cinema não é obrigatório ser feito para os outros, o cinema é uma forma de expressão "pessoal" e como tal cada um sabe o que vê e o que faz com o que viu, mas o importante é pensar.

"O cinema pensa e faz pensar"

"Splendor" Ettore Scola (1989)

"Gomorra"

2008-12-05T19:31:00.003Z

Baseado no polémico livro de Roberto Saviano, que assina também no filme o argumento, Matteo Garrone dirige um dos melhores filmes de 2008.

O filme gira em volta de cinco histórias do livro, no bairro social de Scampia nos arredores de Nápoles e representa a realidade da camorra (organização de famílias da máfia Napolitana) e dos seus camorristas.
Se Fernando Meirelles com "Cidade de Deus" procurou mostrar a realidade das infernais favelas do Rio de Janeiro, também Garrone conta uma realidade social negra e sangrenta mas esta vivida bem próxima de nós, na "bota" da Europa.
A obra representa a realidade com realismo, e não pretende mostrar o lado dos bons e dos maus, ou só dos maus onde se insere o personagem Tony Montana em "Scarface", personagem que Marco e Ciro, dois adolescentes sem rumo, idolatram. Pretende sim mostrar o lado de que, a esta realidade é difícil escapar, como a história conta com a personagem de Totó.

Vencedor do Grande Prémio do Júri do Festival de Cannes deste ano "Gomorra" é um filme marcante e chocante até e é seguramente um dos melhores filmes do género.

O 1º da 7ª

2008-12-04T01:56:00.005Z

Tarefa difícil esta a que me digno, a de escrever o 1º post neste novo blogue.

Este sítio, é criação de quatro estudantes de cinema, que respiram cinema, que querem falar/discutir cinema e acima de tudo (re)criar (o) cinema.
Este sítio albergará também, alguns dos nossos trabalhos ou mesmo filmes, que achemos pertinente e merecedores de aqui serem mostrados.

Sem mais nada para dizer, por hoje, despeço-me com uma imagem de um filme que me diz muito.

Dogville (2003), Lars von Trier